Hvordan ændrede standarden for kvindelig udseende i Hollywood

Biograf er ikke kun kunst og underholdning, men også den mest magtfulde leder af ideologi, det være sig standarderne for familieværdier eller forholdet mellem mennesker og kosmos. Biografens visuelle natur har gjort menneskelig udseende til et af de vigtigste kunstværktøjer, og populariteten af ​​denne kunst har gjort skønhed til en fetish og et effektivt propagandavog. Kvinde skønhed, som det fremgår af skærmen, er genstand for alvorlige diskussioner: Billederne, der er skabt af "drømmefabrikken", ændrede sig ikke kun over tid, men ændrede også det. Vi forstår hvordan (og hvorfor) filmkaraktererne i forskellige epoker lignede, og hvordan vi kom til en relativ vifte af kvindelige udseende på skærmen.

De første stille filmskuespillerinder kom ind i det først og fremmest takket være deres udseende, svarende til meget klare krav. Dette ramte mænd lidt: i starten var der flere forskellige roller for dem, hvilket betyder, at en række forskellige typer blev hilst velkommen. Det viste sig at være lettere med skuespillerinder, den mest filmiske udseende blev hurtigt bestemt. Dette er en ung kvinde med store øjne, tynde, understregede mørke læbestiftede læber, ekspressive konturer af ansigtet og det frodige hår.

Fødslen af ​​et sådant ideal blev fremmet af både mode og specificiteten af ​​filmbilledet, hvilket krævede lyse og præcise, men ikke teatralske ansigtsudtryk fra performeren. Kvinder i biografen var selvfølgelig nødt til at interagere med mænd - de er karakteriseret ved ensom hjælpeløshed, ansigts og krops skrøbelige skønhed. På den tid synes både dramatiske og tegneserieaktrere at være sådan: alle, fra Mabel Normand, partner af Fatty Arbuckle, til DU Griffiths muse, Lillian Gish, nærmer sig den ovenfor beskrevne type. Dette er helt i overensstemmelse med tilskuerens anmodning: mænd ser på uskyldige og rørende heroine, kvinder vil være som hende.

Før udseendet af de første filmstjerner forstyrrede publikum ikke sig selv med kendskab til navnene på skuespillerne, og de blev ikke tiltrukket af de enkelte artisters egenskaber, men af ​​de standardkarakterer, de udgjorde på skærmen. Derudover arvede fra litteratur- og teaterbiografen ikke for mange emner og historier, hvor kvinder deltog. Det område, hvor kvinderne stadigt blev afgjort, blev melodrama. Denne genre, der bruger historier om eventyrlig kærlighed og afslører hemmeligheden om kvindelig lykke, var populær blandt tilskuerne. Den første filmstjerne viste rollemodeller i melodramaerne. Cinema hjalp med at drømme.

Kvinder skuespillerinder, især dem, der formåede at opbygge en vellykket karriere, blev på en eller anden måde gidsler af billeder, der ikke gik ud over en strengt defineret ramme. Det mest slående eksempel er Mary Pickford, som i lang tid forblev en evig "pige med gyldne krøller". Bag kulisserne var skuespillerinden Pickford den mest magtfulde kvinde: hun voksede op i en fattig familie, kom til Biograph Studios, hvor hun stjernede uden afbrydelser, tøvede ikke med at kræve højere gebyrer, var aktivt involveret i studievirksomheden og i høj grad af sin berømmelse fandt sig selv en rolle og hentede et filmpersonal.

Ikke desto mindre blinker ordet "little" i navnene på hendes billeder næsten hver anden gang: publikum hilste de cool film de film, hvor skuespilleren optrådte i aldersroller. Så en dag skarede Mary sine berømte krøller som et tegn på farvel til et barnligt billede, og nyheden om denne hændelse spredte sig over sladderen. Slutningen af ​​denne historie kan desværre kaldes forudsigelig: offentligheden nægtede at acceptere en voksen dame, der ikke forårsager kærlighed eller ønsket om at beskytte hende. I 1933 ophørte USAs elskede efter flere tilsyneladende fejl at blive helt fjernet. Og dette er ikke en enkelt legende tragedie, men helt en ende på en karriere for Hollywood. Indtil 1970'erne vil kvinders måde, der besluttede at forbinde sit liv med skærmen, se sådan ud.

På en eller anden måde viste billeder af dristige, beslutningsfulde og stærke kvinder. Men den vigtigste drivkraft i filmen, hvor hovedpersonen er en kvinde, var hendes skønhed. I en af ​​de helt klareste præstationer fra heltinden Vivien Leigh i "Gone With the Wind" påregnes den smukke kjole, lavet af gardiner. Marlene Dietrich blev opfattet primært som et uhyre erotisk objekt, og til psykologisk mættede roller, der ikke kræver seksuel farve, var hun steget i en meget moden alder. Til slutningen af ​​hendes korte liv spillede Marilyn Monroe den samme forførende skønhed. I den næstsidste af hendes film, cool og trist cowboy drama John Houston "Restless", er hun primært involveret i det faktum, at begejstrer seernes øje. Er det ikke at danse og ikke synge som sædvanligt.

Studierne troede stadig, at kvinder var nødvendige for at blive elsket af mænd: næsten enhver kvindelig grund er baseret på historien om Cinderella, som slår ud i forventning om prinsen. For at oprette lidt mere aktive tegn blev kvinder tildelt historiske film, men under de samme betingelser. Catherine II, inkarneret Marlene Dietrich, bekymrer sig især om hendes forhold til grev Razumovsky. I finalen er han imidlertid helt skuffet over mennesker generelt og især mænd, som er vanskelige at fortolke som en sejr over patriarkalske synspunkter. Seerne vil forstå, at overdreven kærlighed til frihed gør en kvinde ulykkelig og ensom. Under den samme sauce tjente Mary Stuart i "Mary of Scotland" af John Ford. Katherine Hepburn i hver scene går forbløffende fantasi kostumer, og kærlighedslinjen i filmen er meget mere vægtig end den historiske.

Indtil slutningen af ​​60'erne udgør filmindustrien i samarbejde med reklamer og den voksende skønhedsindustri billedet af en ideel kvinde. Selve stilen af ​​Hollywood-billedet med sin overflod af kunstigt lys gør det menneskelige udseende af et statuært, urealistisk forbedret. Udseendet af en ung, smuk, smilende filmstjerne skal støttes i et liv, hvor aviser og tv bliver mere og mere obsessive. Nogen, som Elizabeth Taylor og Marlene Dietrich, har held og lykke til, og de har været efterspurgte i nogen tid.

Samtidig lå kulten af ​​ungdom og skønhed den aldrende Greta Garbo i huset og deltog i forekomsten af ​​depression i Marilyn Monroe. Blandt succesfulde Hollywood-skuespillerinder er det meget svært at finde en kvinde med et blik, der klart aftager fra canonen. Hvis du i dag ser på Billy Wilders klassiske komedie "Only Girls is in Jazz", så ser situationen ud til at være tvetydig: Tony Curtis og Jack Lemmon har nok makeup, parykker og generaliserede feminine antics til fuldt ud at omdanne til væsener af det andet køn. Men under omstændighederne i en verden, hvor udseendet af kvinder er forenet til grænsen, ser den travesty-plot økologisk ud og rejser ingen spørgsmål.

På tidspunktet for udviklingen af ​​en uafhængig film begynder holdningen til en person i rammen at ændre sig. Den første interesse i det individuelle menneskelige ansigt blev vist af John Cassavetes. I debutfilmen "Shadows" bragte en overflod af nærbilleder, der er usædvanlige for amerikansk biograf, filmens figurer tættere på dem, der ser på dem. Cassavethis følger nøje følelserne og forsøger at rette deres refleksioner. Filmen "Faces", udgivet i 1968, hvis man ser på den over plottet, handler om, hvordan hvad der sker med sin ejer manifesteres på en persons ansigt. Historien om ensomme mennesker, der har besluttet at overnatte sammen og er blevet skuffet, er kun støtte til disse detaljerede filmportrætter.

Dette er en lille revolution: Rynker, ikke forklædt med makeup, løs hår, karkaslekker og ikke-teatralske synspunkter var ikke godt kombineret med Hollywood-biografens sterilitet. Skuespilleren Gina Rowlands, kone og faktisk medforfatter af Cassavetes, spillede aldrig de klassiske skønheder. Hendes heltemænd i Faces og Minnie og Moskovitts var udmattede og trætte, i Woman Under Influence og Premiere - ærligt brudt. Cassavetis forresten fortjente ikke massernes kærlighed hjemme. Udviklingen af ​​lignende ideer fortsatte figurer af New Hollywood. De overgav i grunden udnyttelsen af ​​skønhed - eller tolkede den på en helt ny måde.

Der er ikke mange kvinder i New Hollywoods historie - det var en verden af ​​drenge, der oprørte industrien - men de er alle bemærkelsesværdige. I 1967 blev "Bonnie and Clyde" af Arthur Penn udgivet. Filmen blev et hit, og det var virkelig et stort slag for Hollywood-glansen. I Golden Hollywood var der altid en dame gemmer sig i hver enkelt tone, som ved finalen måtte forekomme i al sin herlighed. Forfatterne til "Bonnie og Clyde" skriver ikke ud til deres helte nogen præmier udlagt for dem på grund af ungdom og skønhed. Deres mod og energi oversætter til kriminel aktivitet - selvfølgelig er det romantisering, men ikke transcendentalt. Historien ledes traditionelt af en mand, men Bonnie i hendes ikoniske baret er en af ​​de første amerikanske filmheltiner, der har fået ret til ikke at stræbe efter integritet og spise med deres hænder. Og vigtigst af alt - hendes skønhed har ingen direkte indflydelse på udviklingen af ​​sin historie. Og stopper ikke kuglerne.

Den seksuelle revolution har tilladt at afslutte søgen efter det uforståelige ideal for kvindelighed. Sam Peckinpah gør bevidst Amy, herredenen af ​​"Straw Dogs", ekstremt uhæmmet. Så meget værre: i går, før denne klassiske blonde blev bøjet, bliver hun voldtaget i dag. Skønhed er ikke længere et forsvar og en fordel, og i den radikale sag af denne film bliver det en forbandelse, der vækker dyr i ungens unormale naboer.

Umiddelbart var der de første forsøg på at forstå livet for en almindelig kvinde i biografen "Rachel, Rachel" af Paul Newman, "Alice bor ikke her længere" af Martin Scorsese og "Woman under the Influence" af alle de samme Cassabethis. Skuespillerinderne fjernes næsten uden make-up, deres kostumer udfører ikke en dekorativ funktion, alle heltinderne ser nøjagtigt ud på deres gennemsnitlige alder. Ellen Burstyn ("Alice Live Here Anymore") og Joanne Woodward ("Rachel, Rachel") er allerede meget store dramatiske skuespillerinder på det tidspunkt, deres navne var en vægtig anbefaling at se. Burstyn selv startede skydningen af ​​"Alice" og som følge heraf modtog hun kun Oscar til den bedste kvindelige rolle.

Disse film understreges dramatiske, hverdagslige vanskeligheder i dem fusionere med eksistentielle, og heltene i beskedne kjoler ser usædvanlige ud. Ikke overraskende eksisterede simpelthen ikke, før sådanne tegn - det er ligesom ægte kvinder - i Hollywood-film. Anmodningen om en detaljeret undersøgelse af kvinders spørgsmål blev således åbnet. Desuden intensiverede feministiske kritikere i 70'erne, ikke uden grund beskylder Hollywood-biografen om at bruge patriarkalske optik. Hollywood, som ikke så længe siden ikke tællede overhovedet på et kvindeligt publikum, bryder dårlige vaner. Men en start blev lavet.

I 60'erne oplever en genfødsel af musikalsk, er de mest succesrige prøver af genren traditionelt ekraniziruyut. Herfra slutter Barbra Streisand og Liza Minelli, som ikke har et sofistikeret eller forførende udseende til Hollywood, i biografen. På Broadway adskilte kunstnere friere - professionel færdighed i deres egen krop og stemme blev værdsat over sensuelle læber. Filmer af musikaler bragte næsten altid kommerciel succes, og filmskaberne forsøgte, inviterede de oprindelige rollespillere. Det er usandsynligt, at publikum gerne vil se i "Funny Girl" og "Cabaret" af andre skuespillerinder.

Populariteten af ​​Barbra og Lisa voksede kun, men det er signifikant, at efter den næste afgrødefejl inden for musikalske film i slutningen af ​​70'erne begyndte begge at blive skudt mindre og mindre. Streisand formåede at arbejde sammen med Peter Bogdanovich og Sidney Pollack, vandt to Oscars og tjente anerkendelse af kritikere som direktør. Alligevel var det ikke tilladt på komediegenren. Producenter og studieejere holdt stadig tro på, at skuespillere med attraktivt udseende bringer flere penge til kasseren.

Fra slutningen af ​​70'erne begyndte emancipationsmargenen, hvis højde faldt på 90'erne. I dramaer, melodramaer og komedier, som aldrig er blevet forbudt for kvinders genrer, rejste spørgsmål om familie og ægteskab, før det tilsyneladende ikke krævede diskussion. Mere præcist har ægteskabet altid været en glad ende på enhver kvinders historie, en garanti for evig lykke, modtaget som belønning for skønhed og forsigtighed. Filmen "Ugift kvinde" af Paula Mazursky begynder med et mareridt: Heltindehendes mand finder en yngre kærlighed og forlader sin kone. Hun lider lidt, indtil hun indser, at hun ikke længere bor i en verden, hvor ægteskabets slutning betyder livets ende. Og i Kramer v. Kramer viste de for første gang en kvinde, der var syg for at være målmand for ilden; hendes linje i filmen er et farvel til illusionerne i familielivet.

I ansigterne af Jill Kleiberg og Meryl Streep kommer en almindelig hvid amerikansk kvinde til sidst til masserne. Det tog Hollywood næsten 80 år at tage dette skridt. I disse heroins udseende forsøger forfatterne at gætte repræsentanter for publikum: pæne, velplejede, mindeværdige og ikke hævder status som en sexbombe. Hvad de ligner er bestemt af, hvad de gør. Gradvist kommer den evige aftenmagasin, der følger med i begyndelsen af ​​biografkunst, at komme ud af kvinders ansigter, der er forpligtet til at understrege alt det bedste på én gang og at passe ethvert ansigt lidt tættere på den kanoniske maske.

Samtidig begyndte filmskaberne, der følte hvor vinden blæste, at bryde de sidste bastioner af modstand. Kvindelige hovedpersoner optrådte i genrer, der blev betragtet som maskulin som standard. Den første overgivne fiktion. Denne genre var frugtbar til den åbne udnyttelse af seksuelle billeder: Kvinder optrådte i billeder af fremmede Amazons eller prinsesser, havde tætte futuristiske tøj og makeup, der blev erklæret moderigtige kun i 2013 i planeten Jorden. Og uden undtagelse drømmer de om sex.

Alle de skøre (og bedste) træk ved disse film blev samlet i den fransk-italienske "Barbarella", hvor hovedrollen blev spillet af amerikanske Jane Fonda. Amerikanerne selv opdagede pludselig problemer med tegneserieapplikationen med kvindelige heltheder. Siden 1967 har der været tre forsøg på at fjerne historien om Wonder Woman, som hver har svigtet på grund af fuldstændig vantro. Denne type heltinde var simpelthen ikke i biografen: at kombinere den overdrevne femininitet med superhuman styrke i et tegn, og så også for at få den levende person af denne karakter til at skildre, viste sig at være en vanskelig opgave.

Og i 1979 blev den første "Alien" Ridley Scott udgivet. Ellen Ripley var signifikant forskellig fra alle kvinder, der nogensinde har optrådt i film på rumtemaet. Først havde hun en form - virkelig en form, ikke en erotisk parodi af hende. For det andet er næsten intet kendt om hendes personlige liv, medens flertallet af kvindelige tegn blev afsløret i kærlighedens søgen. For det tredje var billedet af karakteren Sigourney Weaver ikke uenig med omstændighederne i filmen. Atletisk, fokuseret udtryk for ansigtet, fraværet af åbenlyse attributter af kvindelighed; i tredje del vil hun helt tabe hendes hår, hvilket gør hende næsten androgynt. Indledningsvis var det ifølge filmens filmskrivere udelukket, at tegn på gulvet blev udelukket for at fokusere på deres faglige forhold. Ridley Scott stadig sektion Ripley før sidste møde med udlændingen, som han gentagne gange blev kritiseret for. Men fans takker fra bunden af ​​mit hjerte.

I 90'erne er denne type heroine almindelig: Jordan O'Neill i "Soldier Jane", Sarah Connor i "The Terminator". I en tid, hvor selv Disney-prinsesser var tilbøjelige til feminisme, viste det sig, at der ikke ville opstå et sammenbrud, hvis kvinden fik karaktertræk og opgaver, som tidligere kun var tilskrevet mænd. Problemet var dog i den mest udtalte seksuelle adskillelse af roller, genrer og tegn. Det sexløse eksperiment fra "Alien" blev ikke afhentet, men de atletiske og modige heltheder flyttede hurtigt ind i kategorien af ​​ny sexet.

Derudover var der i 1990'erne en anden opsving i uafhængig biograf, og store studier var mere villige til at acceptere risikable projekter. Kameraerne fra den nye generation var meget forskellige fra deres ældre kolleger; De kom til biografen med nye temaer, og dermed med nye helte. En lavine af kvindelige tegn, der er blevet ikoniske, er faldet ned på skærmen - Hollywood har aldrig set en sådan sort.

En kvinde med et "ikke-kvindelig" erhverv er i rækkefølge af ting: Clarissa Starling og Agent Scully. De kunne godt mødes i det virkelige liv, begge bærer firkantede og anstændige dragter. Begge arbejder i FBI og møder regelmæssigt ting, der kræver styrke fra psyken. Meget mange af heroinerne i dette årti ser ud som om de kom ind i rammen og ikke forberedte. I filmen Harmony Corina og Larry Clark "Kids" debuterer Chloe Sevigny, til sidst bliver en skuespillerinde i en uafhængig film. Chloes udseende passer ikke til nogen type (eller passer til nogen af ​​dem), så det er svært at behandle hendes heltinde med følelse, medlidenhed eller afsky.

Det kan betragtes som overraskende smukt eller helt unattractive. Men på grund af fraværet af de obligatoriske træk ved en filmstjerne ser hendes nedsænkning i kedelig teenageliv ikke ud som et spil. Hun er for meget som en person, og alt der sker med hende bekymrer os direkte. Denne aktualitet skelnes af mange skuespillerinder, hvis karriere begyndte i 90'erne: Uma Thurman, Kirsten Dunst, Christina Ricci. Лица в стиле ретро действительно понадобились разве что Дэвиду Линчу в "Твин Пиксе" для контраста с окружающим хаосом.

Самым экстремальным образом была переосмысленная по требованию времени femme fatale. Где-то на пересечении героинового шика и старого Голливуда появились Марла Сингер, Лиса из "Прерванной жизни", Эми из "Поколения DOOM". Бледная кожа, чувственные губы, тяжёлый макияж, общий утомлённый вид . Красота за секунду до смерти. Эти женщины заняты разрушением себя и всех вокруг: наркотики, насилие, безумие. Красота, какой её видел Бодлер.

I 2000'erne ramte helvedes porte lukket, og Hollywood, som ventede på et kort oprør, begyndte at vende tilbage til beviste ordninger. Udviklingen af ​​teknologi har provokeret afvisningen af ​​den beskidte og ujævne visuelle stil på 90'erne. Historiske film, costumed biopics, conveyorproduktion af film med tegneserier - alt dette krævede, at skuespillerne bedst passer til den ideelle form. Alle "ikke-hule-korrekte" går igen til uafhængige film, serier og komedier. Der er ikke noget spor fra de seneste resultater.

På dette tidspunkt førte alt arbejde med kvinders spørgsmål til "Sex and the City". Den legendariske serie var hjernebarnet i 90'erne og stadig afslappet tillod os at være os selv. I 2004 blev "Monster" debutanten Patty Jenkins med den blonde skønhed Charlize Theron, træt af hendes rolle, frigivet. Theron modtog sin første tyngdefulde Oscar, og vigtigere af denne oplevelse fik hun simpelthen ikke at blive en skuespillerinde af en rolle. I modsat retning arbejder trykstandarder også.

I slutningen af ​​nulen skete der noget. I 2010 optrådte listen over nominerede til Oscarfilmen "Treasure" - et lavbudgett drama om livet af en sort ghetteskolepige, der drømmer om et normalt liv. Presses har et næsten normalt girlish liv inde med fantasier om scenen og forelsker sig i en lærer. Men hun venter på det andet barn fra sin egen far og gør alt for at komme ud af gruben. Billedet blev en begivenhed, men ikke kun på grund af de problemer, der blev rejst i den. Den vigtigste rolle blev spillet af Gaburi Sidibe, så stadig ukendt og meget komplet. Filmen blev diskuteret i lang tid, meget og på forskellige måder. Han har bestemt en stor præstation - han viste, at udøverens udseende ikke kan relateres direkte til hans dramatiske potentiale.

Mens der er diskussioner om, hvorvidt man skal udføre eller undskylde plusstørrelse, vises nye navne i film og på tv. Alle disse kvinder er involveret i at forme principperne for tilgang til sig selv. Alle roller i Greta Gerwig, opfundet og skrevet af hende i samarbejde med Noah Baumbach, er dumme charmerende piger, som ikke forstår hvad og hvem der venter på, hvad der ikke er klart. Hendes heltemænd er ikke belastet med alvorligheden af ​​succes eller endda en bestemt livsstilling, men det taber ikke deres vigtigste fordele. Amy Schumer viser, at en kvinde kan gøre og sige alt, hvad hun vil, og det gør kun hende bedre. Lena Dunham er ikke bange for at lave fejl og hilsen deler sin oplevelse. Den mest lovende unge skuespillerinde i USA, Jennifer Lawrence, minder os konstant om, at personen på skærmen også er menneskelig. Skønhed er harmoni med sig selv, alt andet er ikke så vigtigt.

Hollywood er usandsynligt, at den aldrig bliver helt af med diskrimination af eksterne grunde - det er jo den nemmeste form for støbning. Men vi har ikke længere brug for de "ideelle heltemænd" at følge: kunst, der inspirerer os, er skabt af levende mennesker. Og vi er mere som dem, end det ser ud til.

billeder: Wikimedia Commons, Groundswell Productions, Columbia Pictures, Faces International Films