Kunst fra det XX århundrede i forår-sommersamlinger
I EN KONSTANT VANDREDEHOVED taler om trender fra podiet, som kan tilpasses til din garderobe i de næste seks måneder. I dette nummer beskæftiger vi os med den skarpeste trend i årstidens kunst, som dukkede op i forårssamlinger af designere fra Prada til Prabal Gurung.
Hvordan det hele begyndte
Ideerne i kunstverdenen har altid påvirket design af tøj og stoffer. I 1920'erne påvirket avantgarde og fauverne af Henri Matisse mode, som kan spores i Paul Poirets tøj. Madeleine Vionne var glad for kubisme og brugte geometriske former og linjer i tøj, og logoet til hendes hus Vionnet blev udviklet af futuristisk kunstner Ernesto Tayat. I 30'erne kom lidenskaben til surrealisme. Elsa Schiaparelli skabte knapper i form af slik og jordnødder og var venner med Salvador Dali og Jean Cocteau, der viste silkekjole med hummer, jakken, der skildrede en kvinde, hvis lange hår løb ned i ærmet og armene viklet om taljen. Disse og andre ideer vil opstå mere end en gang i moderne designere, herunder russiske (husk samlingen af Alexander Terekhov Efterår-Vinter - 2013).
50'erne og 60'erne blev en tid, hvor mode, musik og kunst blev sammenflettet, og fremkomsten af farve-tv afsluttede gennembrudet af den visuelle kultur. Samtidig er der dannet en forbrugs-, replikations- og massemarked - alt, hvad der endnu ikke har mistet sin position. Unge mennesker skyndte sig til kreative gymnasier og universiteter, og i London og New York blev det moderigtigt at være designer, fotograf, model, grafiker eller mode designer (og aldrig ophørt). Designere omskolet til rockstjerner (for eksempel Pete Townsend fra The Who eller Keith Richards fra The Rolling Stones), og kunstnere malede plakater og albumcover af kunstnere - sådan viste kunst på hver lamper.
Navne på pop art-kunstnere kender alt: Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Andy Warhol - de var de første til at afspejle forbrugersamfundet og populærkulturen, der skildrer, hvad interesser folk her og nu (reklame, tv, varer fra butikker). Faderen til popkunst anses for at være Brit Richard Hamilton, der skabte den allerførste og mest berømte collage "Så hvad gør vores hjem i dag så forskellige, så attraktive?" i 1956. Roy Lichtenstein eksperimenterede med billeder af tegneserier og tegnefilm. Andy Warhol, før han blev kunstner, fungerede som illustratør, syntes det i alle de fashionable redaktionskontorer i New York at få de rigtige forbindelser og gav det grønne lys til blandingen af genrer. John Cale of Warhols sponsor The Velvet Underground var gift med modedesigner Betsy Johnson, som for nylig genoptog tøjproduktionen i en alder af 72 år. På den tid skabte Betsy sjove T-shirts under Youthquake-mærket og arbejdede i en af de største New York-butikker på den tid - Paraphernalia på Madison Avenue, der samarbejdede med Edie Sedgwick og Warhol, der igen malede papir til butikken. mini kjoler og shopper tasker (engangstøj kom i mode derefter).
Det var i løbet af 60-tallet, at der var behov for billigt og hurtigt design - butikkerne reagerede hurtigt på folks ønsker. For eksempel opdaterede Biba-butikken på Abingdon Road sine samlinger hver uge - det er en teknik, der nu med succes driver massemarkedet. Twiggy skrev: "Alt gik ud af mode lige så hurtigt som det kom. Men det var kun det moderne, der tiltrak, det skød væk alt gammelt."
At ignorere pop kunst var umuligt. Yves Saint Laurent opfandt som svar strikkede kjoler med applikationer i form af hjerter, kvindelige profiler samt læber, som Eddie Slimane for nylig tolkede. Efter Saint Laurent-samlingen "Mondrian" i 1965 skabte Stephen Willats en lignende kjole "Changing Sheets", men kun fra nymodede vinyl. Pierre Cardin eksperimenterede med vinyl, og Roy Halston skabte kjoler med Warhols "Flowers" fra 1964, som Miuccia Prada citerede i 2013-sommer-samlingen.
I 1980'erne vil kunstneren Keith Haring, der er berømt for sin pop art graffiti, åbne Pop Shop i New York, hvor han vil sælge T-shirts med sine værker. Vivienne Westwood vil også arbejde med Haring i 80'erne i heksekollektionen, hvor briterne vil reproducere kunstnerens værker med lysende farver, og i dag er Harings værker malet på T-shirts af Uniqlo-mærket, som også udgivet et samarbejde med New York Museum of Modern Art. I 1991 vil popkunst vise sig igen: Den italienske Gianni Versace vil skabe en stramfuld kjole med et tryk af stencilsyreflader Marilyn Monroe og James Dean, med hyldest til Andy Warhol. Et komplement til inkompatible farver i kjole vil være en showgirl-stil bustier, dekoreret med rhinestones og applikationer fremstillet af stof. Young Naomi Campbell vises i denne kjole, og Condé Nast President Nicholas Coleridge vil bemærke, at Versace-klienten ikke er belastet med "høj moral".
Hvordan man bærer ting inspireret af kunst, nu
Designere er ikke den første årstid for at se på kunst, derefter lægge på tøjtryk, reproduktioner af berømte kunstnere (her oftest citeret Bosch og Gauguin), så samarbejder de med samtidskunstnere. Men denne sæson blev der lagt en mærkbar vægt på popkunst, selvom det ikke var uden Gauguin (vi så hans reproduktioner på Aquilano.Rimondi-showet og i couture-samlingen Maison Martin Margiela). Med 60'erne og popkunst er moderne mode relateret og kommercialiseringen af mode og kunst. Den mest slående manifestation af popkunst var Prada-samlingen - Miuccia Prada genkendte værket af nutidige og gadeartister: Pierre Morne, Jeanne Detallante, Stinkfish, Gabriel Spectra og andre. Derudover er flere mærker, der producerer elegante koblinger, blevet populære: Sarahs taske har værker af Roy Lichtenstein, Yazbukey skaber lyse koblinger i form af en pakke cigaretter eller tandpasta, den britiske Lulu Guinness - i form af læber. Jean-Charles de Castelbajac, Jeremy Scott og Ashish på popkunst, spiste hunden: her du og Coca-Cola, og et tryk i form af forebyggelse på tv.
Desuden citerer Jeremy Scott i samlingen af den næste sæson for Moschino, der viser omslagsklær, de første ting, der er skabt til reklame i 1956, nemlig kjoler og nederdele i længden af en midi Martini-etiket, prydet fuldt ud med mærkelogoerne, der bæres af de første rock fans rul til gratis festival drinks. Christopher Kane skaber nederdele med et tryk i form af replikerede farver, der minder om arbejdet i 60'erne. Raf Simons for Christian Dior bruger teknikken til pop art - logomania. Missoni er inspireret af japanske tegneserier. Kenzo citerer moderne grafik og omridsstreger med blyanter. Prabal Gurung skaber Marilyn Monroe hyldest. Preen anvendes på kjoleabstraktionen.
Flere mærker blev straks inspireret af abstrakt ekspressionisme, primært af værkerne Jackson Pollock og Mark Rothko. I Chanel-samlingen trykte Lagerfeld trykker på tøj i form af lyse stænk af maling og prydde skærmrummet med 75 kunstværker med symboler på Chanelhuset; malerier, skulpturer og installationer efter showet blev flyttet til Grand Palais i Paris. Før han tog afsted fra Jil Sander hjem, inkluderede Gilles Zander også flere buer med abstrakte udskrifter i sin seneste monokrome forårssamling. Phoebe Failo har udgivet samlingen Сéline, det ser ud til at blive matchet af Fauvism og en stor udstilling. "Henri Matisse: The Cut-Outs, der går til Tate Modern indtil september. Selv Calvin Klein indeholder en bue med abstrakte udskrifter.
Som den britiske designer Jonathan Anderson siger, viser non-profit samlinger, som kritikere har tænkt på i lang tid: "For mig har mode aldrig været en kunstform. Du kan ikke sammenligne en kunstner og en designer. Både mode og kunst kommercialiseres i dag." Forskellen er, at kunst ikke falder på salget, men tværtimod har det i årenes løb været stigende i pris, men en sjælden kjole kommer ind i modemuseet.
PAS!
Små demokratiske mærker har længe elsket at bruge kunst til kommercielle formål, men de plejer at gøre det på en frontal måde. Pas på tvivlsomme sweatshirts eller poser med reproduktioner af Bosch, Van Gogh eller en dåse af Campbell-suppe. Hvis du ikke er klar til at betale for en stor kunstners arbejde på et dyrt nederdel, er det bedre at vælge ting med abstrakte udskrifter - der findes f.eks. I Zara-samlingen. Et godt køb vil være en ting fra et samarbejde med nutidige kunstnere. Og husk det vigtigste - usædvanlige ting kræver omhyggelig drift: kombinere dem med noget minimalistisk, og forlad den hypertrophede excentricitet til Joan Aguzarova og Andrei Bartenev.
billeder: Tate Modern, Getty Images (4)